Billetterie pour l’exposition Pierre-Joseph Redouté : le pouvoir des fleurs au Musée de la vie romantique

La Renaissance est le témoin de l’intérêt croissant des artistes pour les fleurs et la botanique. Les jardins se multiplient en Europe et la découverte de nouvelles contrées aux espèces inconnues (la tulipe ou la jacinthe) enthousiasme commanditaires et peintres.  Peu à peu, les fleurs s’évadent des tableaux religieux et mythologiques - où elles avaient avant tout un rôle symbolique - pour devenir un sujet et un genre à part entière. Au XVII^e siècle, les tableaux de fleurs connaissent une vogue sans précédent, oscillant entre précision botanique, représentation symbolique et valeur décorative. Le Siècle des Lumières ne fera qu’amplifier cet intérêt ; ce dont témoignent l’engouement des peintres et la multiplication des publications scientifiques consacrées à la botanique. Cependant, progressivement, la représentation des fleurs va s’orienter vers une passion plus décorative. La fonction de délectation de ces œuvres va désormais primer sur leur valeur symbolique ou scientifique et offrir aux amateurs du XIX^e siècle des compositions d’une richesse décorative inédite.

Une visite d’application le samedi 24 juin 2017 

Hôpital de la Pitié-Salpêtrière (sous réserve d’autorisation d’accès)

Jusqu’à la fin du XVIII^e siècle, hôpitaux et hospices ne se distinguaient guère d’autres édifices publics à hébergement collectif tels que collèges et établissements conventuels.

Mais, après l’incendie de l’hôtel-Dieu de Paris en 1772, médecins et architectes conçurent un parti architectural spécifique d’inspiration aériste, appelé système pavillonnaire, qui allait se décliner avec des nuances ténues jusqu’au lendemain de la Première Guerre mondiale.

Néanmoins, la découverte, par Pasteur, en 1861, du rôle des germes dans la transmission des maladies infectieuses jeta un discrédit progressif sur l’aérisme, conduisant à l’abandon du système pavillonnaire après 1930 au profit d’une architecture compacte et en hauteur parée en sus de toutes les vertus de la fonctionnalité.

A partir des années 1980 compacité et grande hauteur, jugées écrasantes et déshumanisées, furent à leur tour condamnées puis délaissées, et l’on en revint à un type de construction plus basse et plus éclatée.

Deux visites d’application réparties sur deux après-midis de la semaine du cours :

-     Cité de l’Architecture et du Patrimoine, galerie des moulages

-     Musée national du Moyen Âge - Thermes de Cluny

Tout au long du Moyen Âge, le corps est à la fois omniprésent et absent. Dès la fin de l’Antiquité, le regard occidental est bouleversé par le dogme de l’Incarnation, qui fait du corps de l’homme une image de Dieu. Comme absorbé par l’image divine, celui-ci n’en demeure pas moins l’expression d’un ordre social pérenne, métaphore des institutions, dans sa globalité comme dans ses décompositions organiques. Peu à peu, l’exploration des frontières de cette humanité donne corps à l’homme mais l’éloigne de Dieu. Redéfini dans sa nature à l’époque gothique, le corps devient la voie d’une personnalisation et d’une individualisation. Autour de la figuration moderne du corps s’ouvre alors un débat qui lie le statut de l’image à la présence du divin, mais suscite de nouveaux iconoclastes. Tout au long du Moyen Âge, le corps médiéval reste la figure d’une société qui se pense elle-même comme corps et ne sait si elle doit voir le corps une image.

Une visite d’application le samedi 1^er juillet 2017 

Le nu dans les collections du musée d’Orsay

Consacré au nu sous toutes ses formes, ce cours propose d’explorer un des thèmes les plus féconds de l’art occidental en se focalisant sur une période riche en bouleversements tant du point de vue des codes de la représentation que de l’évolution des mentalités. Nymphes, bacchantes, dieux et déesses… le cycle débutera par l’étude du nu idéal glorifié dans les œuvres des grandes vedettes du Salon dans la seconde moitié du XIX^e siècle. Sous l’impulsion de Courbet bientôt suivi par Manet, Degas et Renoir, l’irruption du réel ne tarde pas à bousculer les conventions et pose de nouvelles questions sur les tenants et aboutissants de l’art auxquelles le nu fait directement écho. Autour de 1900, l’idée de décadence est au cœur d’une réflexion intense ; chez Rops, Klimt, Schiele et Carabin, le corps dénudé, contorsionné ou maladif apparaît alors comme le véhicule des angoisses existentielles du moment. Au tournant du siècle, caricature de mœurs, stratégies publicitaires et voyeurisme ordinaire sont autant de moteurs stimulant la surexposition du nu dans l’image multiple. Le genre infuse ainsi la culture visuelle de masse de manière exponentielle sans quitter les rivages des beaux-arts : fauves, cubistes, expressionnistes, surréalistes… le nu est en effet au cœur des recherches menées par les avant-gardes de la première moitié du XX^e siècle.

Une visite d’application le samedi 1^er juillet 2017 

Parcours dans les collections du musée national d’Art Moderne-Centre Georges Pompidou

A l’orée du XX^e siècle, en 1912, Picasso avec La nature morte à la chaise cannée et Braque avec Compotier et verre inventent le collage. Dans leur lignée, toute une vague d’artistes chiffonniers parcourt le XX^e siècle. La récupération devient une modalité majeure de création. Nous proposons durant ces cinq séances d’examiner ce que le déchet et la récupération entrainent dans les œuvres. Tout à la fois reliques, éléments banals du tissu social et figurants de récits intimes, les déchets sont polysémiques et supposent un renouvèlement de notre rapport aux œuvres. Du début du siècle aux années 1960, du papier au son, nous verrons que ce type de matériaux modifie profondément les modalités de construction du sens et des formes.

Trois visites d’application réparties sur trois après-midis de la semaine du cours

-     Parcours Art Nouveau

-     Musée d’Orsay

-     Musée des Arts Décoratifs

Entre 1870 et 1914, l’Europe est en paix. La France est devenue républicaine et son économie est florissante. Plus que jamais Paris rayonne comme la ville du luxe et de l’effervescence culturelle. C’est la « Belle Époque », parenthèse enchantée, durant laquelle se développe une nouvelle façon de vivre et de créer : recherche de luxe et de confort moderne pour une bourgeoisie d’affaires cossue, mais également, sous l’influence du socialisme qui se répand dans toute l’Europe, développement de l’idée d’une vie meilleure pour tous, idéal auquel participent des artistes en œuvrant pour l’amélioration et la qualité des objets du quotidien.

Intégration de l’art dans la vie, adaptation de la structure à la fonction, telles sont les visées qui animent de nombreux mouvements artistiques de l’époque comme notamment l’Art Nouveau.

La vie mondaine est également effervescente, tandis que la Parisienne, alliant aux yeux de tous modernité et allure, devient emblématique de l’élégance et du chic à la française, style envié et copié dans toute l’Europe jusqu’aux Etats Unis.

Ce cycle propose d’évoquer l’art de vivre de la grande bourgeoisie, les arts décoratifs et la mode à Paris, lors de cette bien Belle Époque parisienne.

Ce cycle est sans visite d’application.

Ce cycle propose une lecture approfondie, par un historien de la Renaissance, de 5 œuvres majeures de cette période.

Précisément observées, il sera démontré que non seulement aucun détail n’a été laissé au hasard par les artistes mais qu’ils constituent un vocabulaire puissant dont nous avons aujourd’hui perdu le sens.

Décrypter ces œuvres permettra de les resituer dans l’histoire contextuelle de leur création et, ce faisant, des clés de lecture seront fournies pour cette importante période qu’est la Renaissance.

Quand « l’œil écoute », pour reprendre l’oxymore de Paul Claudel…

Ce cycle est sans visite d'application

Ce cycle décrira la manière dont les Japonais ont, au cours du temps, construit et manifesté dans des œuvres d’art un rapport particulier à l’espace et à la géographie. Celui-ci s’exprime de manière privilégiée dans une tradition littéraire et poétique fournie, mais aussi dans certaines des plus belles réalisations architecturales du Japon, qu’il s’agisse de monastères, de temples, de palais ou de jardins. Cette approche singulière d’un territoire, de son occupation spatiale et de sa représentation détermine également les évolutions d’une peinture de paysage qui adapte des modèles chinois, mais élabore aussi ses propres traditions stylistiques et iconographiques.

Une visite d’application l’un des après-midis de la semaine du cours

Le boulevard Saint-Germain

Depuis quatre siècles, remodeler Paris est constamment au goût du jour. Or, comme toutes les villes, ces monstres d’inertie, la capitale a amorti ces efforts, et l’a fait à sa manière. Ce faisant, elle a sécrété quelques 6350 voies qui, grandioses ou humbles, sont toutes issues d’interventions d’une foule d’acteurs sociaux ayant des intérêts discordants et des moyens inégaux. Il en résulte des avenues et des rues marquées d’éléments incongrus – décalages de toitures, retrait inattendu de bâtiments, constructions insolites… – dont la maladresse, justement, aide à comprendre comment se fabrique une ville. Ce cycle sera donc consacré en grande partie à ces « fausses notes » du paysage urbain parisien, auxquelles, ordinairement, on ne prête pas assez attention.

Une visite d’application le samedi 22 juillet 2017

Le Potager du Roi, Versailles

Des courtils médiévaux aux jardins ouvriers, en passant par les potagers-fruitiers aristocratiques de l’Ancien Régime et les enclos des communautés religieuses, ce cours retracera, à partir de sources manuscrites, imprimées et iconographiques, la longue histoire du jardin nourricier en Occident. Une histoire de plantes, celle des choux, des pois et des fèves, les légumes du « pot » du modeste jardin paysan ; celle des primeurs, gage de l’excellence sociales des aristocrates et des bourgeois. Une histoire de savoir-faire et de techniques, celle de l’acclimatation et de sélection de plantes vivrières venues d’Europe et d’ailleurs. Une histoire sociale et politique, celle d’un jardin du quotidien qui reflète les craintes alimentaires d’une population en proie aux crises et aux conflits ; celle aussi d’un jardin savamment architecturé qui, à l’image du Potager du Roi à Versailles, se doit de revêtir les attributs éclatants de la modernité ; celle enfin de l’invention d’un loisir populaire. Jardin du quotidien, d’aucuns diraient trivial, destiné à produire les légumes du pot, le potager nous plonge de fait au cœur du fonctionnement d’une société, de ses réussites, de ses croyances et de ses peurs, de ses aspirations aussi.

Une visite d’application le samedi 22 juillet 2017 

Musée du Louvre, département des peintures, De la Nativité à la Passion: les scènes de la vie du Christ dans la peinture italienne de la Renaissance

 Des premiers siècles du christianisme au XVI^e siècle environ, les figures des rois mages furent une véritable machine à produire des symboles, d’une densité et d’une diversité sans pareilles.

Ce cycle propose d’explorer l’iconographie de ces icônes chrétiennes de l’Occident médiéval et moderne, pour en découvrir la puissance et la richesse symbolique.

Depuis les origines jusqu’au culte de ces mages devenus rois, en passant par leur apothéose à Florence, et la récupération politique dont ils firent l’objet, c’est un voyage au cœur de la société occidentale qui est ici proposé afin de restituer et de comprendre toute la puissance symbolique de ces figures essentielles de l’histoire de l’Occident, quelque peu oubliées aujourd’hui.

Une visite d’application le samedi 22 juillet 2017 

Musée du Louvre, département des sculptures, Monuments d’éternités

"L'homme est comme une bulle", disait Erasme. Illustrées par les artistes dès la fin du Moyen Âge, les notions de brièveté de l'existence terrestre, de fragilité du corps et de l'âme donnèrent naissance à des œuvres comptant parmi les plus poignantes, les plus pathétiques mais aussi les plus spectaculaires de l'art occidental. De l'angoisse de la mort manifestée à travers le réalisme cruel et exacerbé des transis médiévaux à la fascination des dangers cataclysmiques des paysages de l'ère romantique, c'est tout un pan de la création artistique, de l'évolution des mentalités et des sensibilités que ce cycle se propose d'explorer du XIV^e au XIX^e siècle.

Une visite d’application l’un des après-midis de la semaine du cours

La peinture espagnole dans les collections du musée du Louvre

« Cauchemar plein de choses inconnues » écrivait de lui Baudelaire dans Les Phares. Connu pour son inspiration violente et tourmentée, Goya (Fuendetodos, 1746 – Bordeaux, 1828) est surtout l’un des rares artistes dont l’œuvre se construit exactement dans le basculement d’un siècle et d’un monde, portant à tour à tour la mémoire des derniers feux du rococo et la flamme du romantisme noir.

Ce cycle est sans visite d’application.

D’ordinaire, la Révolution Scientifique est décrite comme l’apanage du XVII^e siècle, époque où naissent le laboratoire et la philosophie expérimentale. Aujourd’hui, pourtant, la notion de Révolution Scientifique est remise en cause au fur et à mesure que sont prises en considération les racines profondes de ce qui apparaît au grand jour à l’époque de Boyle et de Newton. L’historien des sciences doit se faire l’avocat des convictions du passé et c’est à ce prix qu’il peut comprendre la magnifique étrangeté des savoirs de la Renaissance où la magie et l’alchimie n’étaient pas considérées comme distinctes des sciences et où les interactions entre savants, mathématiciens et artisans ont permis la naissance de nouveaux paradigmes échappant peu à peu à la doctrine universelle d’Aristote. C’est là tout un pan de la culture européenne que nous nous proposons d’observer, qu’on essaiera de mettre constamment en rapport avec la culture visuelle.

Une visite d’application le samedi 29 juillet 2017

Le corps dans l’art au XX^e siècle, musée national d’Art Moderne-Centre Georges Pompidou

Marqué par l’omniprésence du corps, d’un corps menaçant qui se tord, se déforme, et s’interrogeant en permanence sur la possibilité même de la représentation, l’œuvre de Francis Bacon ne cesse de passionner et d’interroger le spectateur. Mais la vie presque légendaire de Francis Bacon a parfois tendance à occulter la singularité de sa trajectoire.

Ainsi, ce cycle se veut-il un retour vers sa peinture, inclassable. Nous chercherons à multiplier les approches autour de Francis Bacon. Après une première séance consacrée aux années de formation et aux premières reconnaissances, les deux séances suivantes porteront sur le dialogue ininterrompu qui s’instaure entre le peintre anglais et l’histoire de l’art. D’autre part, Francis Bacon, dont l’atelier était tapissé du sol au plafond par des photographies diverses, a été très inspiré par ces images mais aussi par plusieurs films. Cette question fera l’objet de notre quatrième séance. Le genre du portrait traverse presque de part en part l’œuvre du peintre, ainsi, une séance y sera consacrée spécifiquement, d’autant qu’il dresse tout un pan de la sociabilité de l’artiste, qui a régulièrement représenté ses amis (Lucian Freud par exemple). Enfin, la dernière séance sera consacrée aux échanges que le peintre a entretenu avec la littérature, dans un va et vient singulier : plusieurs écrivains et poètes ont inspiré à Bacon des œuvres (Eschyle et Shakespeare notamment) quand, dans le même temps, plusieurs auteurs contemporains, et notamment Michel Leiris, se sont confrontés à ses toiles.